— Сурен, расскажи, пожалуйста, чем мурал отличается от граффити?

— Мурал — это рисунок на фасаде дома, от привычного и понятного большинству слова граффити отличается, масштабами. Мурал — это всегда большое изображение, а граффити может считаться даже незначительных размеров надпись, выполненная баллончиком.

— Как наносят изображение на дом?

— В основном, с проектора. Вечером, когда стемнеет, напротив фасада ставится проектор и изображение с него выводится на дом. Масштаб эскиза, который ты сделал в планшете или на ноутбуке, увеличивается в размерах в десятки раз. Дальше художник работает на высоте: переносит картинку, делает полосы, линии. На следующий день рисуешь, опираясь на намётки, которые ты для себя сделал. Но проектор не всегда можно поставить. У меня было такое – мешало дерево. Тогда приходится делить фасад на мелкие квадратики и рисовать по схеме, но этот вариант более энергозатратный.

— Сколько у тебя муралов на Дальнем Востоке?

— Я не считаю, но на вскидку могу сказать, что масштабных работ по Дальнему Востоку порядка десяти штук. Это не только Камчатка, но и Магадан. В этом году впервые работал там. Нарисовал на четырёхэтажном здании комикс. О той работе у меня осталось приятное воспоминание и оно связано с местными жителями. Бабушка лет 70 сказала, что знает про меня, так как читала статьи и видела репортаж. И спросила можно ли сфотографировать меня за работой. Я сказал: «Хорошо». Она меня сфоткала и ушла, а примерно через час вернулась обратно. В руках она держала распечатанные фотографии с моим свежим портретом. Одну из них она подарила мне. На обратной стороне была подпись с приятными пожеланиями от семьи. А на другой фотографии она попросила меня расписаться, чтобы подарить потом внуку. Это было для меня ценно и очень приятно.

— А какая вообще география твоих муралов?

— В Испании я рисовал, в Италии рисовал, в Канаде, в США был, в Москве рисовал. География не скажу, что суперобширная, какой могла бы быть, но достаточно богатая.

— Ты бы хотел переехать с Камчатки?

— Я родился Ереване и прилетел на Камчатку, когда мне было 6 месяцев. Вырос и выучился в Петропавловске-Камчатском. У меня был период, когда я покинул Камчатку — в 2015 году я уехал и жил два года в Москве, потом по году в Канаде и Америке. Путешествовал, рисовал. В 2019 вернулся. Так сложились обстоятельства – нужно было помочь родителям. И к этому времени меня уже тянуло домой. В творческом плане, что в столице, что заграницей среда позволяет отлично развиваться, но люди… ты общаешься и нет такого взаимопонимания как здесь. Как говорится, мы росли на разных мультиках.

— Кто ты по образованию?

— Я учился на мореходном факультете КамчатГТУ. По диплому я специалист по электрооборудованию судов. Но никогда не работал по этой профессии — не моё. Вместе с тем у меня есть художественное образование. Родители видели, что я постоянно рисовал динозавров, животных и поэтому и отдали меня в художественную школу.

— Расскажи про эскизы к муралам? Ты придумываешь их сам?

— Смотря какое ТЗ. Оно бывает строгое. Например, нужно, нарисовать именно шикшу. Либо более свободно ставится задача: например, изобразить народы Камчатки и тут ты уже выбираешь, что они делают. Либо сидят у костра, либо бьют в бубен, сколько их. Это ты уже решаешь сам и всё зависит от твоей фантазии.

— А эскизы рисуешь самостоятельно или с помощью искусственного интеллекта?

— Сам рисую конечно. Я не очень люблю подобными вещами пользоваться, потому что это уже не искусство. Когда делает ИИ, то это всегда видно. У такого изображения есть определенная стилистика исполнения картинок на выходе. Если человек может рисовать многогранно, то ИИ, по крайней мере, сейчас так не может. Но все может измениться уже через три-пять лет.

— Как ты думаешь, реально ли привлечь туристов на Камчатку с помощью муралов?

— Я думаю, это уже стало туристической «фишкой». По-моему, в прошлом году приезжали девочки-путешественницы из Москвы и попросили меня провести им экскурсию. Это был такой тур по граффити Петропавловска-Камчатского. Мы ездили по адресам, где были муралы, и я рассказывал, что они означают рисунки, как я их делал.

— А что еще можно добавить к уже существующей туристической «фишке»?

— Было бы классно, если бы у нас какие-то конкретные районы посвятили граффити. По типу как приезжаешь в Москву — в Одинцово, и ты знаешь, что там есть район, где есть около 50 домов и на каждом из них нанесены определенные муралы, которые рисовали художники со всей России. Ты приходишь, как в галерею и смотришь. У нас муралы разбросаны по всему городу. Хотя в этом тоже есть смысл, ведь туристу нужно заморочиться, чтобы поискать их. Это целый квест и это интересно.

– Мария, расскажите о себе и о том, как вы начали заниматься созданием таких картин?

 – Я родилась в Хабаровске, закончила худграф в Педагогическом университете. Сейчас живу в Некрасовке – это село под Хабаровском.
Я художник и преподаватель. Технику создания картин из коряг я придумала в 2019 году. С тех пор я уже провела уже три персональных выставки. Мои работы были представлены на экспозиции в Китае.

 Как родилась техника? Наверное, это все из детства… Я люблю лес, тайгу. Как художник я сразу вижу, что можно сделать из той или иной коряги: вот это – голова лошади, а это – крыло орла… Коряги собираю не только у берега, но и в лесу, и в городе. Если вижу деревяшку или предмет, который мне понравился, то я его поднимаю. Можно сказать – создаю картины из мусора.

–  А когда вы создавали свою технику, на кого-то опирались?

– Нет, ни на кого. Всё как-то сама, интуитивно. Зато теперь моим последователям легче. У меня часто спрашивают, не боюсь ли я, что кто-то повторит? Скажу честно, раньше боялась, а сейчас – наоборот, буду рада, если у кого-то еще лучше получится. Когда я работала педагогом, у меня было 200 учеников, и все они знают эту технику. Одна ученица даже сделала из коряг большую картину, победила в конкурсе. 

– Какие сложности у вас как у художника были в начале пути?

– Сложностей в начале пути не было никаких. Они появились позже, когда я поняла, что сейчас недостаточно быть талантливым, сейчас нужно уметь себя продвигать, а для этого нужны деньги.

– Как вы можете описать этот материал для творчества? На что он похож?

– Это податливый материал, как по мне. Я отсекаю ножом лишнее. Коряги же сухие, поэтому все очень просто: отсекла, подклеила, подкрасила, нанесла лак, чтобы картина дольше сохранялась. Коряги я очень люблю. Я восхищаюсь ими, ведь у каждой своя история, своя душа. Уже с первых работ я поняла, что это очень красивый материал. Зрители делятся, говорят, что от моих работ веет теплом, и кто-то даже сказал фразу «тепло природных мелочей». Мои картины нужно ощущать, поэтому я разрешаю зрителям их аккуратно трогать.

– Что вы еще используете, кроме коряг?

– Всё зависит от картины, над которой я в данный момент работаю. Однажды я использовала даже облупившуюся краску с потолка. Или ржавый садок для рыбы, найденный на берегу. Оказалось, что он так хорошо ломается! Я использую его, когда нужно сделать сетку, решётку в картине. Кто бы мог подумать, что у вещи будет такая судьба?

Или вот еще история. Возле дома творчества у нас в Некрасовке нашла дощечку, а на ней детской рукой нарисовано солнышко. Я подобрала ее и включила в свою картину. Она шикарно вписалась.

Также я езжу в гости к деду – ему 85 лет – на левый берег Амура. Там дача на Телегино. Обожаю там собирать всякую ерунду. За счет того, что эти территории часто топит, можно найти много всего интересного. Я отправляюсь на поиски «добычи», и всё, помидоры уже не нужны. А дед всегда смеется, говорит: «Маша, что ты какой-то мусор собираешь?»

Иногда мне люди приносят материал для творчества. Однажды позвонил мужчина с незнакомого номера и сказал: «Мария, мы поклонники вашего творчества! Разрешите вам кое-что передать?». Оказалось, что он копил всякие мелочи, которые, как ему показалось, можно использовать в картине. Это, например, одна серёжка. Ее и правда можно здорово разместить в картине. Например, сделать ручку для двери. Также бывает, что кто-то принесет и оставит возле двери моей мастерской пакетик с какой-нибудь тканью или деревяшкой.

– Как вы работаете с природным материалом?

– Сначала помещаю в ванну все найденные мной коряги, добавляю шампунь и оставляю на 22–33 часа, чтобы очистить от песка и грязи. После высушиваю и раскладываю по контейнерам: мелкие коряжки отдельно, круглые, длинные – отдельно. У меня очень много контейнеров.

– Кроме коряг, что еще используете в своих работах?

– Что-то покупаю на блошином рынке. Например, часики я купила на нашем рынке у антикваров. А мелочи, которые мне нужны в композиции, я сама леплю: почтовый ящик, половичок, томик Достоевского.

Иногда миниатюры бывают документальные, из жизни. В одной из картин можно увидеть орхидею в окошке. Так вот, это реальная история. У меня все подоконники в комнатных цветах, и как-то на 8 марта муж подарил мне букет срезанных цветов. Я начала плакать, потому что я хотела в горшочке. Тогда он подарил мне настоящую орхидею. Ее я и слепила в миниатюре. 

Лепку я люблю с детства, и у меня очень хорошо получалось, вплоть до того, что меня не допускали до конкурсов, потому что никто не мог меня победить. Я лепила такое, что никто не мог слепить. Тончайшие розочки из красной глины, которую мы, кстати, сами выкапывали.

– Вы продаете свои картины?

– Да, продаю, но на заказ я не работаю. Меня обеспечивает муж, а картины из коряг – это то, без чего я жить не могу. Еще с детства я уяснила – чтобы прикоснуться к прекрасному, надо платить. Когда я была маленькой, у нас была большая картина в квартире со львом. Когда гости приходили – всё внимание было на эту картину! Мама потратила на нее две зарплаты. Просто увидела, как художник продаёт на улице, и поняла, что не сможет без нее.

Для моих работ нужно, чтобы на них точечно падал свет и в комнате не было захламленности. Соответственно, никаких обоев в цветочек… У меня была покупательница, которая специально для картины сделала в спальне ремонт. Кстати, каждый, кто приобретет полотна из коряг, может покрасить рамы морилкой под свой интерьер. Мне важно, чтобы рама не отвлекала от сюжета.

– Как рождаются сюжеты для картин?

– Деревенские сюжеты рождаются из жизни. Например, я ездила в Сибирь к родным в деревню Степановка, каталась там на велике и увидела, как солнце садится. Я заплакала от красоты и потом передала это в своей картине.

Гуляя по Хабаровску, я вижу красивые окна. Я их фотографирую, потом использую в своих картинах. Хочется, чтобы мои работы запомнились. Я считаю, что цель искусства заключается в том, чтобы человек что-то чувствовал. Даже если это что-то плохое. Это ведь тоже чувства.

Кактус и шарик

Хабаровский скульптор Максим Усенко и его супруга Наталья взяли первое место со снежной композицией «Кактус и шарик». Жюри покорили тонкие «иголки» этого растения и мысль, которую заложил автор о людях-кактусах-эгоистах и шариках-альтруистах.

– Максим, расскажите, о чем ваша работа «Кактус и шарик»? Какой глубинный смысл вы в нее заложили?

– Суть в том, что есть люди-эгоисты, зацикленные на себе, и в этом своем эгоизме они не замечают, как могут больно уколоть окружающих. А есть другая категория – это те, кто больше любит других людей, а не себя. Их в нашей работе символизируют воздушные шарики. Вместо того чтобы проявить ласку и внимание, люди-кактусы в своем холодном эгоизме колют искренних любящих шариков. А, как известно, открытое любящее сердце легко травмировать, и можно уколоть так сильно, что оно просто не выдержит. Возле кактуса валяются обрывки лопнувших шариков, один шарик сидит и плачет. И кто-то скажет, что у кактусов все прекрасно в жизни. Мое мировоззрение такое, и я заложил этот смысл в работу, что если ты кого-то сейчас обидел, то тебе тоже прилетит.

– А вы можете рассказать про техническую сторону — как делали эти иголочки или это секрет?

– Как делать иголки, придумал я, а изготавливала их моя супруга Наталья Панасенко все три дня конкурса. Мы были в одной команде. Всего в кактус было вставлено 120 иголок, но из-за того, что они постоянно ломались, супруга произвела их где-то 500-600 штук. Иголка делается так: из снега вырезается конусовидный кусок длиной 25 см. Дальше он зажимается между двух терок и движениями вперед-назад подтачивается с четырех сторон. Это очень муторный процесс. Я в очередной раз восхитился силе духа и терпению своей жены. Кстати, она трижды мама.

– А как реагировали прохожие, когда вы работали?

– В этом году стало заметно больше русских туристов. Безвизовый режим дает о себе знать. И были курьезные ситуации, когда прохожие, не зная, что я русский, стояли рядом и на моем языке обсуждали мою работу, смеются, что на кактусе написано «эгоист». Для меня главное, чтобы человек испытал эмоции и какой-то свой жизненный опыт перенес на скульптуру.

– Максим, а где вы учились на скульптора?

– По образованию я учитель физической культуры, по призванию – художник, по совместительству – скульптор, работаю сейчас в кочегарке, как Виктор Цой. Такие вот нестыкуемые вещи. Навык скульптора я, похоже, получил в прошлой жизни. Шучу, конечно, но по-другому я не могу объяснить свое умение. Я в детстве не лепил, не посещал художественную школу. Как-то все само. Внутри есть какое-то чутье, как нужно сделать. У меня нет такого, что я оттачиваю навык руками. У меня в основном работа мысленная. Самый интересный процесс — это поиск и шлифовка идей, создание эскиза. Мне гораздо интереснее мысленно работать, чем конкретно со льдом. Технология работы с материалом простая, тут главное – опыт. Основные инструменты – стамеска и фреза, а также электрическая цепная пила.

– И как давно стали ледовым и снежным скульптором?

– Мой путь начался где-то с 2010 года именно с Харбина. Мы впервые приехали на конкурс с супругой, она у меня тоже преподаватель по образованию, только ИЗО. А потом как-то закрутилось… Много оформительских работ делал в Хабаровске. Большую часть опыта я набрался в родном городе. Пожалуй, больше всего откликов получил медведь высотой 4,5 метра на площади Ленина в сезоне 2015–2016 годов. У этой скульптуры часто фотографировались хабаровчане.

DeepSeek, помоги!

Ледовые художники Данил Цой и Илья Текин свою работу посвятили актуальной проблеме – зависимости человека от нейросетей и ИИ. Герой оказался в экстремальной ситуации: застрял на суку дерева в лесу, и вместо того чтобы выбраться с помощью рук, ног и смекалки, он пишет в чат с нейросетью: «DeepSeek, ты мой друг? Почему ты не помогаешь мне выбраться?»

Преподаватель колледжа искусств Данил Цой – в свои 29 лет уже опытный участник фестиваля в Харбине. Он посещал его более 10 раз. Имея в арсенале внушительное число наград с этого творческого состязания (стабильно входил в тройку лучших), художник утверждает, что самое главное – это невероятная атмосфера! В одном месте собираются единомышленники из разных стран и все время творят, находятся в потоке, превращая безликий грубый кусок льда или снега в шедевр.

– Данил, что лично для тебя значит конкурс ледовых скульптур в Харбине?

– Это однозначно самое масштабное мероприятие в мире. Побывать там – это уже большое достижение. Он входит в тройку самых знаменитых фестивалей снега и льда (два других – в Японии и на Аляске). Для меня это больше про комьюнити, дружбу, единомышленников, а не про соревнования. Раз в год мы все можем увидеться: пройти отбор и встретиться на фестивале. В этом году у нас, можно сказать, был двойной праздник, так как мы приехали пораньше и отметили в Харбине Новый год.

– Расскажите, как проходит сам конкурс?

– Мы приезжаем, заселяемся, затем проходит жеребьевка. Каждая команда тянет карандаш с номером блока. Это нужно для того, чтобы среди участников не было разговоров из серии «почему кому-то достался чистый блок, а мне грязный», «почему у кого-то более выигрышное и солнечное место, а у меня нет» и так далее. Ледовый блок размером 2 на 2 метра и толщиной 50-60 см, снежный блок: 3 на 3 метра и 4 метра в высоту.

А потом наступает день сурка: проснулись – поехали на объект – пообедали – вернулись. И так три дня.

– Как вы греетесь?

– Температура воздуха в Харбине такая же, как в Хабаровске, однако за счет того, что конкурс проводится на острове, бывает, дуют ветра, и это достаточно дискомфортно. Мы надеваем теплые вещи, начали практиковать стельки с подогревом, ну и двигаться надо! Согреваемся стамеской!

– Ожидали ли вы, что станете победителями?

– Мы, конечно, стремились к победе, но до последнего сомневались. Ведь эскиз придумал накануне конкурса. У меня был заготовленный эскиз, но я подумал, что он слишком мудреный. В Китае такая история возможна – ты можешь поменять эскиз. Главное, чтобы идея была простая, интуитивно понятная и в то же время емкая. Вот мы и подумали, что про ИИ более актуально. Это карикатура. Мы хотели поразмышлять о том, к чему приведут нейросети, ведь мы все сейчас находимся в таком периоде, когда все меняется на наших глазах и ничего похожего прежде не было. Ребенок висит на суку, пишет запросы в нейросеть, спрашивает, как слезть, как заказать еду, просит написать сообщение маме, просит распознать по фотографии: это палка или змея? Кстати, мы использовали логотип «DeepSeek», и все над нами смеялись, что мы нейросеть рекламируем.

42-й Международный фестиваль снега и льда в Харбине в очередной раз подтвердил статус одного из самых масштабных и зрелищных зимних событий в мире. Ежегодно он собирает сотни художников и миллионы зрителей, превращая северный китайский город в гигантский музей под открытым небом. Для участников победа здесь — не только профессиональное признание, но и знак того, что их идеи понятны и близки людям разных культур. И именно за эту способность превращать лед и снег в универсальный язык смыслов Харбин год за годом остается точкой притяжения для лучших скульпторов мира.

 Мои картины… мои картины написаны маслом в технике фигуративной живописи – это яркие контрастные цвета, где-то наивный стиль. Для всех работ референсами служили фотографии моего дома, в котором я жила с 7 до 19 лет. Сейчас мне 26, и я живу уже отдельно. Фото я сделала, когда в последний раз заходила в ту квартиру в Хабаровске. Нужно было просто какую-то вещь забрать, быстро прям заскочить, но увидев этот бесконечный хлам снова – после долгого перерыва, меня накрыли неприятные эмоции, и я начала фотографировать, как бы защищаясь от этих чувств. Так бывает, когда люди видят что-то им неприятное, и машинально начинают доставать телефон и снимать. Я знала, что в это место, скорее всего, очень нескоро повторно попаду, и мне хотелось иметь, наверное, какие-то доказательства того, что все это правда было. Примерно на втором году психотерапии я начала задумываться о том, что хочу сделать такую выставку.

В терапию я пришла с проблемой высокой тревожности в ковидный период, когда все сидели дома, то есть я шла прям по нужде, от безысходности. Позже психолог призналась мне, когда она меня увидела, то подумала, что ничем не сможет помочь. Настолько я была закрыта. Она меня даже сравнила с волчонком, который хочет есть, идет к людям, но при этом огрызается и боится. Мы четыре года работали в психоанализе. Это в первую очередь разговоры. Мне в начале и правда было страшно рассказать об этом постороннему человеку – психологу, потому что тема патологического накопительства для меня была табуирована. Был страх отверженности, что если я расскажу, то меня не поймут или будут смеяться.

Когда я была маленькая и пыталась что-то выкидывать, когда человек был на работе, заканчивалось все ссорами. Я вообще не представляю, как это происходит, но он видел, что где-то какой-то пакетик на миллиметр сдвинулся, хотя он в таком хаосе лежит. Ну то есть, я бы точно не заметила, а там человек действительно видит, что кто-то трогал пакетики, что кто-то пытался что-то вытащить оттуда, выкинуть и так далее.

Я не знаю, почему мой близкий человек занимался накопительством, и мы никогда не разговаривали об этом, так как он достаточно холодный. Но когда я родилась, этот синдром накопительства уже был. Человек ведет социальную жизнь, ходит на работу, которая связана с людьми. Он не видит в этом проблемы. Каждая принесенная домой вещь, по его мнению, когда-то может пригодиться, а значит, не надо будет покупать. Экономия. Или можно продать. Но проблема в том, что эти вещи не используются, не продаются, не носятся. Они просто лежат. Этот человек довольно экономный, старается смотреть что-то подешевле, поэтому на моих картинах можете видеть надписи дискаунтеров на пакетах – «Экономыч», «Близкий».

Во взрослом возрасте буквально до драк доходило за какие-то пакетики, использованные одноразовые контейнеры, которых и так в доме уже сто тысяч. Он их все равно оставляет, вдруг, пригодится: какую-то еду убрать и так далее. И я не могу на человека никак повлиять, могу сделать выставку, могу осветить эту тему, но за шкирку к врачу я никого не потащу.    

Для меня эта выставка – это способ разделить мой опыт со зрителем, рефлексия через искусство, попытка говорить о чем-то болезненном, при этом не рассказывая об этом, то есть это работа через образы. Например, на выставке можно увидеть четыре картины с белым котом, который стоит посреди кучи мусора с выпученными от страха глазами. Многие зрители подходили и спрашивали: «А кот жив?». Я говорю: «Кота у меня никогда не было». Этого кота я, наверное, ассоциирую с собой – маленький испуганный котенок в бесконечных цветных текстурах.

Помимо картин на выставке есть три инсталляции. Первая – это домашний диван. Ткань, которой он обтянут, она архивная, то есть с той квартиры. Я покрасила ее баллончиками и получился разноцветный грязный диван. Вторая инсталляция – это замоченные детские вещи. Вещи тоже мои. И третья – это инсталляция с Дедом Морозом и Снегурочкой как символ надежды на хорошие изменения, что жизнь будет иная.

Да, выставка получилась достаточно откровенной, но я не ощущаю себя голой, наоборот, это какая-то отдушина для меня. Главная цель выставки – снять табу с темы патологического накопительства. Почему это важно? Я сама долго не осознавала, что моя тревога во взрослом возрасте напрямую связана с пережитым в детстве опытом, а значит, не искала помощи. Я думала, что это нормально. Но пройдя курс психотерапии я улучшила качество своей жизни. Тревога и стыд ушли. Возможно, кто-то в моих картинах узнает свой опыт и тоже захочет измениться.

Что касается людей, которые несут всё домой, то они, как правило, не обращаются за помощью. Их все устраивает, и они рационализируют все, что делают. Клетка для хомяка, найденная на помойке, куча одноразовых контейнеров и ложек, пакеты, неработающая техника. Всё это, по мнению, может еще пригодится когда-то потом. Но проблема в том, что вот это потом становится их идеологией.

Я хочу двигать эту выставку дальше. Есть планы после Хабаровска попробовать ее вывезти на запад страны. Посмотреть выставку можно до 30 ноября в галерее «Биом».

СПРАВКА

 Синдром Плюшкина — это бытовое название синдрома патологического накопительства. Оно происходит от персонажа романа Н.В. Гоголя «Мёртвые души» — Плюшкина, скупого старика, превращавшего своё имение в свалку бесполезных вещей.

Это психическое расстройство, при котором человек испытывает непреодолимую потребность сохранять и собирать предметы, независимо от их ценности, и не способен расстаться с ними даже при очевидной бесполезности. Со временем это приводит к захламлению жилья, возникает опасность пожаров или обрушений. Кроме того, человек может подхватить

респираторные заболевания из-за пыли, споров плесени и аллергенов, кожные инфекции — из-за антисанитарии и укусов насекомых. Также возникает социальная изоляция — стыд, страх быть осмеянным, отказ пускать гостей.

Люди занимаются неконтролируемым накопительством по нескольким причинам. Это может быть страх потери и бедности, дефицит чувства контроля над жизнью — человек компенсирует это контролем над вещами. Также среди причин – одиночество и изоляция; депрессия, посттравматическое стрессовое расстройство (ПТСР); ранние травмы утраты (например, смерть близкого); воспитание в семье, где вещи наделялись особой ценностью («всё пригодится»).

Синдром обычно ярко проявляется к 40–60 годам. Лечение комплексное и длительное и обязательно включает в себя психотерапию.

Художественная локация для творческой популяции

Мама «Биома» – хабаровчанка Алена Карабовская. «В обычной жизни» она работает в фондах музея им. Гродекова. Как хранитель занимается систематизацией, классификацией, научной обработкой предметов живописи, графики, скульптуры. Ее большая любовь – современное искусство. Профессиональный музеолог негодовала от того, что у современных художников Хабаровска нет площадки.

Они выкладывают свои работы в социальных сетях, выставляются время от времени на различных маркетах, их даже приглашают в другие города провести персональные выставки, но в родном городе они как будто не нужны… и их не видят.

Отсутствие площадки у художников приводит к тому, что творческие люди живут разрозненно, в своем коконе, вместо того чтобы объединяться, развиваться, вдохновляться и повышать свой уровень. И самое главное – при таком раскладе у них нет диалога со зрителем, нет обратной связи. Нет «неожиданных» смыслов — тех, что посетители выставок находят сами для себя, которыми делятся потом с автором.

– Название «Биом» – это природная отсылка. Биомом называется ряд экосистем в пределах одной природно-климатической зоны. А в нашей галереи будут выставляться художники, которые находятся на определенной географической территории и выражают себя в разных видах искусства, но объединены большой любовью к Дальнему Востоку и современному искусству, – объясняет Алена Карабовская.

Три комнаты зала

Галерея открылась в бывшей трехкомнатной квартире в том же здании, где расположена старейшая пожарная часть Хабаровска: Карла Маркса, 45. Надо ли говорить, что ремонт помогали делать современные художники? Таким образом, галерея «Биом» сразу получилась про поддержку и самоорганизацию. Художники объединились и создали себе пространство самостоятельно. 

Сейчас здесь уже открыта первая выставка, проводятся лекции и просмотры и обсуждения фильмов, коллаж-движ. С открытия не прошло и месяца, а резиденция уже обросла постоянными зрителями,. Это ли не подтверждение тому, как сильно город нуждался в таком пространстве?!

Одна из «фишек» –«Биома» свобода но – все можно фотографировать, сидеть на подоконнике тоже не возбраняется. А речь музеолога, который проводит медиацию (экскурсия по выставке с вовлечением зрителя в диалог), лишена научной терминологии. В «Биоме» говорят на простом, понятном, обычном языке. В планах – обновлять выставки каждые полтора месяца. Недостатка в талантах нет – график расписан до лета 2026 года.

Изначально у организатора была идея сделать просто сайт для художников, что-то вроде галереи в интернет-пространстве, а о камерном пространстве Алена и мечтать не могла.

Купить старенькую квартиру в здании пожарной части, за три недели сделать в ней ремонт и открыть галерею — так разве можно? Оказывается, можно, если есть мечта.
— В этом сезоне к нам на «Бери ресурс» пришла Алена Карабовская — на тот момент она уже несколько лет горела идеей создать галерею современного искусства в Хабаровске, — рассказывает руководитель проекта Алла Джан-Ша. — Итог – в городе открылся «Биом». Материально «Бери ресурс» Алене не помог, зато помогла беседа с экспертом площадки Юрой Савочкиным. Именно после этой-то беседы и появилось окончательное понимание, как воплотить мечту в жизнь.

Проект «Бери ресурс» — некоммерческая инициатива, суть которой в том, чтобы помогать активным жителям региона в воплощении их идей. «Бери ресурс» реализован с использованием финансовой поддержки комитета по внутренней политике Правительства Хабаровского края при софинансировании Фондом президентских грантов.

Первая выставка

«Джан-Ша коллажная» – так называется первая экспозиция в «Биоме». Здесь представлены работы независимой андеграундной художницы Яны Джан-Ша, которая исследует культуру и образ Дальнего Востока через коллажи. Это ее третья персональная выставка в жизни и первая – в родном Хабаровске. Предыдущие были на Камчатке и во Владивостоке.

Выставка состоит из трех зон. В «Природной» представлены коллажи, посвященные флоре и фауне ДФО. Также можно увидеть «Шапку кабарги» на постаменте из натурального дерева. Этот экспонат сразу притягивает к себе взгляд. Художница нашла будущую «Шапку кабарги» в заброшенном сарае на левом берегу Амура. Оказалось, что это нанайский головной убор, который мужчины использовали во время охоты. Дальше началась кастомизация. Шапка постоянно видоизменяется, на ней появляются новые и новые элементы. Как, например, средневековый знак Чжурчжэни или кусочек византийской сбруи. Над экспонатом возвышается текстильный коллаж, на котором изображен уникальный по своей форме след кабарги. И в нем тоже есть, что разглядывать: фенечки, иероглифы, фрагменты знаменитой китайской клетчатой сумки…

В «Азиатско-дальневосточной» зоне исследуются элементы орнаментов и культуры коренных народов Дальнего Востока. Здесь ключевое внимание два экспоната: красная работа с кошачьим хвостом, посвященная китчу и инсталляция с китайскими иероглифами, выполненная в форме белого балдахина.

– Можно ходить вокруг и искать своё слово, то есть слово, которое откликнется: небо, гора, ветер, цветок, луна, птицы, страх. Или можно зайти внутрь и ощутить особенное чувство, как в детской колыбели. Многие отмечают, что за тюлем глубоко дышится, – рассказывает Яна зрителям в ходе медиации.

К слову, в «Биоме» однажды побывал китайский переводчик, и он высоко оценил каллиграфию Яны.

И третья зона – «Личная». В ней художница показывает себя, свои эмоции, чувства, переживания, мысли, сформированные в коллажи. Один из любимых экспонатов гостей – это кресло с одеялом.

Работа называется «Мы под одним одеялом» и отсылает зрителя к природному эффекту в Магадане, когда утром стелется густой туман и местные жители называют это явление «Мы под одним одеялом». На мягком экспонате разрешается сидеть.

А дальше?

А дальше будет по-разному: разные выставки, разные жанры, разные художники, события. Выставочный план уже расписан до конца года.

— Каждая выставка примерно 1-1,5 месяца длится, анонс следующих будет появляться примерно за неделю до открытия, — рассказывает Алена Карабовская. — Это будут и резиденты галереи: с ними можно познакомиться на сайте, и другие хабаровские художники. Планируем не только персональные, но и групповые выставки с open call: это когда можно подать заявку и если все подходит - тема, идея, уровень художественного мастерства, то художник участвует в выставке.

Что до востребованности — пока вижу активную пользу для арт-сообщества, высокий отклик от художников, людей искусства и культурных сфер. Для жителей гостей города это скорее что-то новое, неизвестное, но они понемногу протаптывают сюда тропинку.

От купе вагона до книжных полок

Идея «Дома Коммуны» родилась в поезде. Сергей Яковлев, за плечами которого несколько отмеченных на международных конкурсах короткометражных фильмов и три нереализованных полнометражных киносценария, решил обратиться к жанру ужасов в комиксе. Вместе с коллегой — оператором Дмитрием Комковым он задумал историю, действие которой разворачивается в реальных локациях Хабаровска — и в первую очередь в знаменитом Доме Коммуны на улице Муравьёва-Амурского, 25.

​Первый выпуск из 24 страниц прошёл путь от десяти экземпляров, распечатанных за собственные средства по тысяче рублей каждый, до полноценного тиража.

​Реальное здание как главный герой

Центральный персонаж комикса — не человек, а сам Дом Коммуны, памятник конструктивизма 1930-х годов, построенный для работников внутренних дел. Художник Роман Шавердин, рисующий каждую страницу вручную — карандашом, тушью, маркерами и чернилами, — работал по фотографиям реального здания, которые Яковлев специально для него сделал в Хабаровске. Результатом стала узнаваемая атмосфера, в которой подлинная архитектура переплетается с фантастическим сюжетом.

«Самая страшная история — это та, которая произошла на твоей улице, потому что никто не знает всех своих соседей, кто живёт за его стенкой, кто живёт внизу, а кто они, а почему они? А оказывается, одного “чёрный воронок” увёз. И все молчат. Вот эта штука, на которой я начал играть как сценарист и начал дальше развивать эту историю», ​—отметил Сергей Яковлев во время презентации

Городские мифы в графике

Сюжет комикса переплетает два временных пласта. В прошлом — история профессора Вальдемара Августовича Гейтмана, работающего над таинственной машиной по извлечению невиданных энергий и скрывшего в конструкции дома тайные помещения. В настоящем — семья, приобретающая квартиру в зловещем здании по странному завещанию, согласно которому заселиться может только семья с ребёнком.​

Независимую рецензию на комикс записал московский книжный обозреватель, поэт и член Союза писателей Москвы Дмитрий Гасин. В своём обзоре Гасин подчеркивает уникальность проекта: «Этот комикс вобрал в себя городские мифы и легенды Хабаровска. Создатели замахнулись на то, чтобы воплотить на бумаге мифологию города. И мне страшно интересно, куда пойдёт дальше творческая мысль авторов. Я такого пока ещё не видел в разработанном, развитом виде — так, чтобы напрямую коррелировать с существующим объектом в центре Хабаровска». 

За пределами бумаги

«Дом Коммуны» уже вышел за рамки традиционного комикса. Проект был представлен на Восточном экономическом форуме, Московской международной книжной ярмарке, фестивале Comics Rum Market в Санкт-Петербурге, а также на «БРИКСАрт» в Приморском крае. Комикс переведён на китайский и английский языки и вошёл в линейку «Сделано в Хабаровском крае». Китайские туристы приобретали его как сувенир о посещении Хабаровска, узнавая на страницах аэропорт и городские улицы.

По реальному Дому Коммуны проводятся экскурсии, что создаёт редкий для комикс-индустрии эффект: читатель может побывать внутри истории, пройдя по лестницам и коридорам здания, ставшего источником сюжета. 

Второй выпуск продолжает историю, намеченную в первом номере, и, по замыслу автора, является частью большого цикла.